Jwana Hamdan est ravie de voir son travail prendre possession de la prestigieuse galerie milanaise pour quelques jours « Pour nous, être présent à Forte dei Marmi, est un atout majeur, car il nous assure une excellente visibilité à l’échelle nationale et internationale. Nous sommes ravis de cette collaboration et de la relation que nous avons établie avec l’équipe de Magazzini Bracchi, où nous nous sommes immédiatement sentis comme chez nous. »

Le projet. de la native de Beyrouth qui se partage au quotidien entre Milan et Dubai,  réinterprète le concept de convivialité, avec des meubles conçus pour favoriser le partage et le dialogue, entre tradition et modernité ».

In fine, la Libanaise propose  une rencontre entre deux mondes expressifs, une invitation à ralentir, respirer et redécouvrir la beauté de la matière en transformation. Une installation audacieuse dans une cour intérieure  qui trouve sa source et son inspiration dans les décors et les paysages si particuliers à la Méditerranée.

Dans un portrait d’elle dressé par le magazine digital « Arabnews.com« , elle évoque la genèse de son arrivée dans le monde du design  :« J’ai imaginé cette collection car je manquais d’identité.  Le design est devenu un outil, une forme d’art, un moyen de m’exprimer. J’ai choisi le design car je vis dans le quartier du design à Milan. Je suis entourée par l’industrie du design ».

Les magazines d’arts et de design en particulier ne tarissent pas d’éloges sur l’originalité  de la réflexion et de la  philosophie de l’artiste : «  Jwana Hamdan, écrit  Beyon The Magazine en janvier dernier,  ne se limite pas à présenter un meuble, mais propose une approche plus large : le design comme une expérience émotionnelle et intellectuelle, capable d’inspirer et d’élargir les limites de la créativité. À travers cette philosophie, Hamdan nous rappelle que l’imagination et la collaboration ne sont pas seulement des outils créatifs, mais des valeurs essentielles pour redéfinir la façon dont nous vivons l’espace, l’art et la beauté. Un message qui se traduit par un design capable d’aller au-delà de l’objet, se transformant en une expérience esthétique et culturelle. »   

@Fayçal CHEHAT

L’exposition : du 7 au  14 avril 2025

Galleria Michela Cattai ART+DESIGN
Via Brera, 4 – Milano

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 Après une inauguration en fanfare et avec panache  fin décembre 2024 de la  cathédrale Notre de Dame de Paris, sauvée  et guérie des flammes qui ont failli l’engloutir en totalité cinq ans plus tôt, voilà que la capitale française a décidé de ce lancer dans  un nouveau chantier gigantesque. Cette fois, c’est le Musée du Louvre à la réputation tout aussi planétaire, victime de son succès , 9 millions de visiteurs chaque année, qui va passer sous les bistouris des architcctes afin de recoudre un certain nombre de plaies qui risquent de l’abimer dangereusement si rien n’est fait dans les prochaines années.

Pour ce faire, on apprend, entre autres changements programmés,  que la star incontestable du Musée, La Joconde, va devoir occuper un nouvel  d’appartement, plus spacieux et bien à elle afin de recevoir plus confortablement la foule de ses fidèles amateurs de selfies et de vidéos qu’ils s’empressent de partager sur la toile des réseaux sociaux.. Son actuel lieu de vie étant devenu trop étroit et plus en mesure de recevoir dignement ses visiteurs  qui viennent des quatre coins de la planète. Au prix de  transformer la mystérieuse icône créé par l’Italien Leonard de Vinci en mythe ? A la question posée par  le quotidien français Le Monde, la présidente de la vénérable institution culturelle, Laurence Des Cars, a répondu sans détour. Et a assumé sans ciller.

 » La Joconde aura son propre espace de 2 000 mètres carrés. Cela permettra de rappeler le contexte de sa création, de parler de sa place particulière dans l’imaginaire mondial, de son destin moderne qui commence avec le vol, de raconter la fascination des artistes et des vi siteurs du Louvre qui ne se dément pas. Près de 75 % de nos visi- teurs souhaitent voir La Joconde quand ils viennent au Louvre

«  Le mythe est déjà là ! J’assume totalement. Il faut respecter les envies du public, s’il ressent le be- soin de s’approprier une œuvre avec des selfies, il faut l’accepter. Il faut parler au public du XXIe siè- cle, l’écouter et ne pas le regarder de haut. Nous sommes là pour transmettre des clés de compréhension, pas pour juger nos visiteurs. On ne visite pas le Louvre aujourd’hui avec la sensibilité de nos parents et grands-parents. Le Louvre doit parler à tous. Il n’y a qu’à voir le succès de l’exposition « Louvre couture », qui invite la mode dans le département des objets d’art. Ces salles ne sont pas les plus visitées du musée. Et pourtant, aujourd’hui, les gens s’y pressent parce qu’on leur fait découvrir les objets autrement. Il n’y a pas de fatalité. »

(Propos extraits du grand entretien accordé par la présidente du musée parisien au quotidien français Le Monde paru le 3 février 2025)

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« L’exposition « Suzanne Valadon », explique le dossier de présentation initié par le Centre Pompidou, retrace cet itinéraire unique, depuis ses débuts de modèle favorite du tout-Montmartre, jusqu’à sa reconnaissance artistique, intervenue très tôt, par ses pairs et la critique. Véritable « passeuse » d’un siècle à l’autre, Suzanne Valadon embrasse la ferveur parisienne du tournant-de-siècle, ses cafés, bals musettes et cabarets et ses multiples révolutions artistiques, intellectuelles et sociétales (…)

 » Cette exposition souligne l’étendue, la richesse et la complexité de son œuvre en s’articulant autour de cinq sections thématiques : Apprendre par l’observation, Portraits de famille, « Je peins les gens pour apprendre à les connaître », « La vraie théorie, c’est la nature qui l’impose », Le nu : un regard féminin. Une sélection d’œuvres de ses contemporaines, aux préoccupations picturales proches des siennes, comme Juliette Roche, Georgette Agutte, Jacqueline Marval, Émilie Charmy ou Hélène Delasalle complète cette proposition…  ».

Contrairement à beaucoup d’autres artistes de son époque, cette  reine du crayon et du pinceau,  » figure de référence,critiquée, mais jamais oubliée » selon les bons mots de Xavier Rey, le directeur du Musée national français d’art moderne, a pu connaître la gloire de son vivant. Partie de rien à son arrivée à Paris pous suivre sa mère lingère de métier, elle a osé s’inscrire  dans un monde qui n’était pas le sien et tracer un chemin  glorieux.

Un sacré exploit surtout lorsqu’il s’agit d’une femme. Si elle fut rapide, son ascension dans le monde masculin et très fermé de l’art pictural français, ne lui évita pas d’emprunter une voix parallèle pour arriver sur le devant de la scène. La native de  Bessines-sur-Gartempe ( ),  n’a pas hésité à passer par la case modèle. Grâce à une chance incroyable, elle eut l’occasion de poser nue pour  des peintres illustres tels que  Gauguin, Toulouse-Lautrec, Puvis de Chavannes, Renoir etc.

Et c’est presque tout naturellement  que cette  longue et intense fréquentation des ateliers les plus renommés de France, lui donna l’envie de passer derrière un chevalet pour produire ses premières oeuvres. Son sens aigu de l’observation du travail des grands maîtres, doublé d’une grande confiance en son propre talent, l’amena à multiplier les créations tous azimuts:  bouquets de fleurs, portraits, nus, natures mortes.

Celle qui avait été dans une première vie, comme en passant, acrobate, a connu aussi quelques grandes réussites  à son époque en devenant en 1894  la première femme à être admise, à l’âge de 29 ans, à la Société nationale des Beaux-Arts.  Ou la première femme  à dessiner et peindre des modèles masculins nus.

Encouragée par quelques rencontres puissantes et heureuses, elle bénéficia de l’amitié d’artistes exceptionnels comme Édouard Degas, d’abord, puis Pablo Picasso,  par  s’imposer indiscutablement parmi les meilleur(e)s portraitistes de son époque. Portraits qui ne fuient pas le réalisme. L’artiste avait l’habitude de dire  : “La vraie théorie, c’est la nature qui l’impose”.  Principe qu’elle s’applique à elle-même  en 1931 en réalisant son autoportrait. Celui d’une femme âgée de 66 ans qui n’offre pas, loin de là, que de beaux restes.Valadon était aussi reconnue pour sa grande maîtrise des couleurs.

Artiste iconoclaste, au but final indéfini, selon les puristes et les partisans absolus d’une ligne directrice, Suzanne Valadon  aimait définir sa passion et ses parcours comme suit :  “J’ai dessiné follement pour que quand je n’aurais plus d’yeux j’en aie au bout des doigts”.

@Fayçal CHEHAT

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Installée à Paris depuis 2020, l’invitée exceptionnelle  est une artiste polyvalente , peintre et sculptrice, formée à l’Académie des beaux-arts de l’Université libanaise puis  boursière de l’Institut français du Liban à la Cité internationale des arts à Paris.

Son exposition dans l’actualité  est présentée de façon exhaustive dans  les colonnes  d’un magazine de la capitale du pays du Cèdre,  Agendaculturel.com  daté du 18 juillet. Une  réflexion sur le thème poignant de l’exil et du déracinement et  les dilemmes des migrations contemporaines :   » À travers une série de peintures centrées sur le symbole de la table, écrit la critique culturelle  Léa Samara, Sara interroge la dynamique de la séparation et de la réunion, de la stabilité et de l’instabilité. La table, élément central de la vie domestique, est ici transformée en un espace de tensions et de contradictions, reflétant les réalités complexes de l’exilé.

« Chaque œuvre de cette exposition est un microcosme où les symboles abondent : les tables à pattes griffues, les assiettes vides ou renversées, les chaises abandonnées racontent une histoire de perte et de recherche de soi. Les couleurs vives et les formes dynamiques créent un contraste frappant avec les thèmes de la séparation et de la solitude. Les poissons, présents dans plusieurs tableaux, symbolisent non seulement l’abondance perdue mais aussi l’espoir et la résilience.. »

Une analyse confortée par les propos de l’artiste  : « La découverte d’un ailleurs n’est pas si facile. La souffrance, le désarroi, la peur, l’instabilité s’installent chez celui qui a quitté sa maison, son village, son pays. Une insécurité psychologique, sociologique remplace une vie faite de routine confortable.J’ai créé mon monde pour fuir la réalité. J’ai dessiné un monde qui me convient, une réalité qui me ressemble.

« Rester ou partir? Cette idée porte en elle une contradiction de sentiments et de décisions. Entre peur, instabilité, insécurité, l’exilé est confronté à l’échec. Mais entre courage, persévérance, audace et aventure. « Rester ou partir? Tel est le dilemme. S’échapper ou s’implanter? Rester ou partir? Cette idée porte en elle une contradiction de sentiments et de décisions. Entre peur, instabilité, insécurité, l’exilé est confronté à l’échec.

Mais, poursuit l’artiste, entre courage, persévérance, audace et aventure, l’exil peut aussi être un tremplin vers une nouvelle vie » Si je pars, est-ce que je reste malgré tout la même? Est-ce que l’exil va me forcer à changer? Que puis-je garder de cet autre monde que j’abandonne? »  Une réflexion artistique qui soulève beaucoup plus de questions auxquelles elle  ne prétend pas trouver de vraies et/ ou bonnes réponses.

@Fayçal CHEHAT

 Son parcours, sa biographie

Extraits de son website http://www.saraaboumrad.com/biography.php 

Sarah a  fait l’objet de très nombreuses expositions individuelles et collectives à Beirut Art Fair (Beyrouth), Luxembourg Art Fair (Luxembourg), la FIAC (Paris), 508 Gallery (Londres), Art box Project (Zurich), Qatar International Art Fair (Doha), The Hub Koweït (Koweït), et Accademia di belle Arti di Bologna (Bologne).
Ses œuvres font partie de plusieurs collections, notamment la collection Claude et France Lemand au Musée de l’institut du monde arabe et la Dalloul Art Foundation – DAF. Elles ont été présentées aux enchères de Bonhams (France) en 2021 et 2023, Ans Azura (Roumanie) en 2023 et ArtScoops (Liban) en 2021 et 2023.
En France, Sara Abou Mrad est représentée par la Galerie Claude Lemand. https://www.claude-lemand.com/artiste/sara-abou-mrad?souspage=bio

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« J’ai toujours cru en mon art et je savais qu’il serait reconnu tôt ou tard, car je suis très sincère, et l’art a sa magie particulière. Cela a été difficile, mais les choses sont venues à moi, sans que je me presse. En soixante-quatre ans de travail artistique, jamais je n’ai été invitée à Venise. Revenir, à l’occasion de la Biennale, en Italie, sur la terre que j’ai dû abandonner, est très émouvant…

 » Je suis née en plein conflit mondial, en 1942, en Italie, j’ai connu la faim et la guerre, mes parents sont partis pour y échapper. J’ai été une Italienne au Brésil, un pays qui a été fait par les migrants, comme toute l’Amérique. Je me suis éloignée de ma terre, cela a été une grande souffrance. Comme pour tous ceux qui ont laissé leur pays.

« Mais, en nous rappelant que nous sommes « étrangers partout », pour reprendre le titre de la Biennale, cette proposition du directeur artistique, Adriano Pedrosa, transforme cette souffrance en bénédiction. En revanche, je ne me sens pas comme une Italienne qui a migré: je suis une personne très multiple. Je ne suis pas une artiste linéaire, mais inquiète et changeante. Dès que je m’ennuie, j’ai envie de nouveaux défis, d’autres discours, de nouveaux médiums. »

(Propos extraits d’un entretien accordé au quotidien du soir français Le Monde daté du 28 avril 2024)

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Sur le plan artistique, elle se définit comme « une aquarelliste qui touche aux techniques mixtes. J’ai toujours aimé l’aquarelle, le dessin de personnages et les portraits. Je suis captivé par les années 1920, les fées, Frida Kahlo et tout ce qui est fantaisiste ; des éléments qui influencent fortement mon art. J’apprends, j’explore et j’essaie toujours de trouver un rythme entre être mère, épouse et peintre ». 

Et puis, surtout, son intérêt est consacré aux femmes : « la forme féminine est au centre de mon travail, où je mets l’accent sur la beauté sacrée du corps, de l’esprit et de l’âme d’une femme. Représentée sous une forme fantasque et rêveuse, j’essaie de faire ressortir la puissance et la douceur de la féminité ».  Sa série d’aquarelles intitulée’ I AM WOMAN » est impressionnnante et si riche en émotions.

Si  l’aquarelliste a reproduit les portraits de femmes de tous les jours, elle a aussi consacré toute une série à des demmes emblématiques de différentes époques de l’histoire et des cultures. Il s’est développé des filles à clapet à Marie-Antoinette et Cléopâtre.

Et puis, surtout, l’intérêt e de Caroline Ghantous st consacré aux femmes : « la forme féminine est au centre de mon travail, où je mets l’accent sur la beauté sacrée du corps, de l’esprit et de l’âme d’une femme. Représentée sous une forme fantasque et rêveuse, j’essaie de faire ressortir la puissance et la douceur de la féminité ».  Sa série d’aquarelles intitulée  » I AM WOMAN » est impressionnnante et riche en émotions.

Si elle a reproduit les portraits de femmes de tous les jours, elle a aussi consacré toute une série à des femmes emblémati -ques de différentes époques de l’histoire et des cultures. De à Marie-Antoinette et Cléopâtre. En passant par l’îcone de la musique libanaise, arabe et universelle, Fayrouz.

Un monstre sacré qui a tellement compté dans son parcours de vie  et dont elle parle ainsi :  » Fayrouz est dans ma vie depuis ma naissance. Mes parents l’écoutaient toujours. Ils sont partis au tout début de la guerre civile libanaise et ont toujours été attachés à leur culture. Fayrouz est une femme forte, qui a toujours été très discrète sur sa vie. Elle a traversé beaucoup de choses, mais elle est restée fidèle à elle-même et à son pays.

Mon portrait à l’aquarelle est basé sur une photo d’un de ses concerts. J’ai décidé d’utiliser de la peinture dorée, en mélangeant des pigments en poudre, de la gomme arabique et de l’eau, car cela ressemble plus à une couronne. C’est pour lui rendre hommage, en quelque sorte.

Le travail au long cours consacré aux femmes mérite d’être partagé en particulier en cette séquence historique où le genre féminin multiple les efforts et les batailles pour imposer sa juste place  mais toute sa place au sein de nos sociétés humaines.

@Fayçal CHEHAT

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@Méditerranéennes 

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Ce qui a fait dire à la commissaire de l’exposition, Çiğdem Simavi, dans les colonnes du website « lepetitjournal.com » : « En tant que femme, j’ai toujours cru aux efforts des femmes, au pouvoir, à la solidarité et au rôle fédérateur que nous jouons. […] Mon plus grand rêve a été d’introduire les femmes artistes de Turquie dans un monde plus vaste, les faisant sortir de l’obscurité. Je n’ai jamais cessé de poursuivre ce rêve, je n’ai jamais douté que les femmes sont les héroïnes méconnues derrière le patrimoine culturel et artistique de mon pays que j’ai toujours admiré ».

 L’exposition « Ben, sen, onlar », titre  traduit en français par « Moi, toi, eux », qui fait partie du programme du festival de “la route culturelle de Beyoglu”,est visible au Mesher,  İstiklal Caddesi No: 211 Beyoğlu, 34433 Istanbul, jusqu’au 27 mars 2022.https:/

Liens utiles

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Grâce à ses fictions, ses nouvelles, ses  dessins, ses peintures. Etel était également une femme engagée, compagne fidèle des toutes les causes justes : sociales ou politiques. Elle fait partie de ces êtres humains transcendants, solaires, qui laissent, longtemps après leur départ, trainer les faisceaux de leur exceptionnelle créativité. A preuve, deux  belles expositions inaugurées de son vivan,t sont encore ouvertes  en France.  « Lumières du Liban » à l’Institut du Monde Arabe (IMA) à Paris  et  » Écrire, c’est dessiner » au Centre Pompidou de Metz.

@Fayçal CHEHAT

« Par sa curiosité et son talent d’observatrice remarquable et sensible, elle explorait les sentiments d’errance de l’homme, sa légèreté et ses exils successifs. Etel Adnan portait un regard original sur notre monde et sur la nature. Elle voyait dans la mer et la montagne le visage le plus durable et constant de l’homme. Depuis son Olympe, sa Montagne Sainte Victoire, son cher Mont Tamalpaïs où l’inspiration lui était soufflée, elle nous invitait à la suivre dans son univers, sa quête, son voyage.

Elle refusait de regarder les événements de l’histoire de sa fenêtre. Artiste engagée, représentante des plus importantes [mouvances] de la modernité arabe, éprise de liberté, elle n’a cessé d’épouser la cause des peuples opprimés dans leurs luttes et leurs déchirements. À la seule force de ses mots, elle s’engageait contre les guerres, militait pour les causes indienne et palestinienne, luttait contre la guerre civile qui enflamma son Liban natal »

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